28 de Noviembre

TAMAÑO, FORMATO Y EL MARCO

TAMAÑO: dimensiones físicas del producto visual así como el grado de ocupación física del campo visual por el soporte de dicho producto.
Se elige en relación con la escala del espectador y hace que sea o más grande o mas pequeño que este.
El emisor con respecto al tamaño:
- Impacto psicológico del producto visual
- Notoriedad social
- Comodidad de manejo o de ubicación

FORMATO: forma y orientación del producto visual. Puede ser:
- rectangular 1. Apaisado-horizontal
                     2. Retrato-vertical
-  otros: cuadrado, redondo...
Las decisiones del emisor sobre el formato del producto visual puede ser por:

1. Adaptación al soporte
2. Facilidad de lectura
3. Contenido simbólico

MARCO: límite que ponemos entre una pieza y el resto del mundo.

Después de esta explicación nos estuvo enseñando a unos artistas para ampliar nuestra cultura del arte y conoceros nuevos artistas. Algunos de ellos son:

DUCHAMP (cambia la percepción del arte)

JOSEPH BEUYS

LUCIO FONTANA

ISAMU NOGUCHI

MARISA GONZALEZ (española, crítica social y arte industrial)

MATHEW BARNEY

SHERRIE LEVINE (apropicionismo en el arte)

TAKASHI MURAKAMI

RACHEL WHITEREAD ( trabaja con las formas negativas)

CARMEN CALVO ( intervención de imágenes)

HERNÁNDEZ PIJUAN

MARINA ABRAMOVIC

SOL LEWITT

ISIDORO VARCARCEL (español)

AGNES MARTIN

GORDON MATIA-CLARK

HANNE DARBOVEN (minimalista)

ANTONI ABAD

MARINA NÚÑEZ (digital)

IGNASI ABALLI

MARIKO MORI

JAUME PLENSA

CRISTINA GARCÍA RODERO

DANIEL CANOGAR

MISS VAN

25 de noviembre

María Jesús nos enfocó esta clase a la luz y la sombra.

LUZ

- Es lo que permite ver

Esta relacionado con el fuego, el sol...
1. Iluminación natural ~ Velázquez en las Meninas
      - Eugenio Recuenco
2. Iluminación artificial: continua (linterna) o discontinua (flash)

SOMBRA

- Es aquel lugar donde no llega la luz, crea la profundidad y el volumen.

En la cultura oriental evitaban su uso.
Tanto la luz como la sombra son una fuente de inspiración para tantos artistas (Francis Bacon, Rafael Lozano-Hemer, Frabrizio Corneli, Dan Flavin)


Los espacios intermedios son la PENUMBRA y el CONTRALUZ (Monet)

Después analizamos esta imagen y el juego de luz y sombras que realiza el autor para trasmitir una información u otra.

No se aprecia muy bien, esta realizada en clase por mi.

En esta misma sesión fuimos a una exposición de La perspectiva constructiva de Julián casado , consistía en una serie de obras pintadas en acrílico de forma espectacular de lejos parecía digital de lo perfecto que estaba realizado, jugaba con las veladuras las luces y sombras superponiendo figuras geométricas y jugando con el color y el contraste.

Foto realizada por Edith Rodriguez

foto realizada por Edith Rodríguez

foto realizada por Edith Rodríguez

foto realizada por Edith Rodríguez

foto realizada por Edith Rodríguez

foto realizada por Edith Rodríguez

foto realizada por Edith Rodríguez

foto realizada por Andrea Sánchez

Foto realizada por Paula Gómez

foto realizada por Andrea Sánchez                                      

21 de Noviembre

Este día fue distinto, tuvimos un taller de fotografía basado en las luces.

Los que tenían cámara podían captar el movimiento de la luz que la profesora ejercía estando la sala a oscuras y modificando el tiempo de exposición y el obturador.

                                   

Se pusieron dos de nuestras compañeras de modelo (Irene e Ines).

Las primeras jugaron con la luz y el movimiento de la persona.

Y la segunda era un conjunto de movimiento de luz que creaban formas (fuego, alas...) También con el movimiento de Inés y al ser iluminada se creaban un serie de caras en la misma foto de la misma modelo en diferentes posiciones.

Me pareció un taller muy interesante. Pero muchos de nosotros no teníamos material para disfrutarlo el 100℅ , yo no tenía cámara y el móvil no me soportaba la app para poder cambiar el obturar y el tiempo de exposición.

Y por eso no tengo fotos de lo que mis compañeros consiguieron con sus cámaras.

18 de Noviembre

Esta sesión María Jesús la orientó a nuestro futuro por ello nos enseñó como es y como se hace un Dossier y un currículum.

DOSSIER

- Es un documento que reúne toda la vida profesional y artística de la persona o una sola obra.

Tiene que tener unos requisitos a llevar a cabo muy importantes, tiene que estar bien identificado, bien maquetado, guardarlo en varios formatos, también es importante y algo necesario pedir un ISBN para registrarlo en el registro de la propiedad intelectual.

Nos mencionó una asociación que protege tus imágenes con una cuota, VEGAB, muy útil para proteger nuestra obras del copyright.

Tienes que llevar un orden y unos pasos a seguir:

1. Selección de obras, mejor pocas y buenas. Cada imagen con su ficha técnica(nombre, título, medidas, técnica, serie...)

2. Que estén bien reproducidas y que la fotografía favorezca la obra.

3. Bien maquetado (sistema de cajas)

4. El papel evitar folio y papel blanco, que sea diferente y peculiar. 

5. Las fuentes: máximo dos tipos a gris 80℅ , Maximo DINA4 mínimo DINA5. 

6. Medidas: márgenes o sangrado (tomar un libro como referencia)

7. Texto claro

8. Imágenes: al principio y final las más potentes y en medio las más flojas (deben estar situados ligeramente a la derecha para llamar la atención)

Estos pasos deben concluir nuestro Dossier en dos frases concisas y claras que definan al artista y su obra, para que a la hora de presentarlo pueda pasar de boca en boca y que se pueda hablar en cualquier lugar y momento.

Primero hay que saber crear un Dossier general y luego se va modificando según el enfoque que se necesite en cada momento.

CURRÍCULUM

Nos explicó por encima algunas características y los pasos a seguir.

-datos personales

-Formación académica: estudios oficiales (de lo nuevo a lo antiguo) y sus asignaturas.

- formación complementaria (cursos con su certificado)

- exposiciones (año. Título, duración, lugar, indv, y de lo nuevo a lo antiguo)

- premios

-obra en colección

Esta clase me resultó muy útil para desarrollar mi vida y mi obra como artista que más adelante iré cambiando y evolucionando al igual que mi dossier y mi currículum.

Georges Didi-Huberman

EL HOMBRE QUE ANDABA EN EL COLOR

Análisis del libro:

Filósofo francés, Georges Didi-Huberman (Saint-Étienne, 1953). Es un historiador del arte y ensayista de renombre internacional. Sus obras se caracterizan por una prosa poética cargada de metáforas y de imágenes tomadas del surrealismo y de la fenomenología.

El ensayo de Didi-Huberman sobre la dimensión ontológica del arte a partir de la obra de James Turrell, artista californiano, donde están presentes continuas alegorías, comparaciones y metáforas.

El libro es una fábula sobre un hombre que camina en la inmensidad del desierto, haciendo referencia al Éxodo. El desierto, es un lugar monótono sin ningún elemento, donde se percibe mejor la presencia del «Ausente». Didi personifica la ausencia como un color que se materializa. El artista es un inventor de lugares. Da forma, da carne a espacios improbables, imposibles o impensables que son recorridos por alguien, sin dejar clara su cualidad humana Recorre las obras de Turrell, describiendo lugares como el desierto del Ëxodo, Venecia en la edad media, en la catedral de San Marcos, donde el resplandor de la “Pala d ‘Oro” deslumbra al caminante con la monocromía dorada, que le conduce al ausente.

James Turrell, es un artista que en su obra quiere crear unos templos del arte, donde las percepciones de sus obras se centren en el color, la luz artificial y la natural, las sombras. Esta es la verdadera esencia de sus obras, mirarlas para comprobar que la distancia al fonde nos parece incalculable, incontrolable.

El “personaje principal es la obra de James Turrell y el “personaje secundario” es el propio James Turrell que al comienzo de la obra anda por el desierto y al final construye el Roden Crater, donde en una de sus salas ha plasmado el desierto monocromo.

Opinión

Es una obra que puede ser interpretada como un sinsentido. En parte es debido al tema abstracto que desarrolla, también a la gran erudición que muestra, que es difícil llegar a comprender. La profundidad al abordar un tema que puede parecer intrascendente, necesita ser leída de forma pausada, reflexionando sobre lo que nos quiere transmitir. Todo el libro es un reto que nos conduce a abrir la mente y llevar nuestro pensamiento a la imaginación y a las emociones que surgen en nosotros.

El ensayo es un intento de replantear lo que trasmite el arte convencional y lo que trasmite, o puede transmitir las obras contemporáneas, que en muchos de los casos son incomprendidas en su sentido último, por buscar formas y no sensaciones y colores que nos llevan a sentir el arte, apreciando más lo visual que lo real, la luz que las imágenes.

EXPOSICIÓN TABACALERA CANTERA

A esta exposición acudimos un grupo de compañeras, porque creo que el arte compartido es mejor da una perspectiva distinta que en solitario. 
Estas obras de diferentes artistas en un espacio, son difíciles de interpretar nos despierta algo nuevo en nuestro espíritu joven de artista.
Estas series de obras me parecieron algo peculiares y muy diferente a los que había visto antes.  

(Tuve un problema con las fotos, por lo tanto mi compañera Marina Ponce y Paula Gómez me ha facilitado algunas de la exposición) 

     

                                   

Fotos realizadas por Marina Ponce y Paula Gómez

14 de noviembre

Ayer lunes la clase era de libre asistencia , pero creo que prácticamente todos quisimos asistir ya que nos dieron una conferencia más que interesante sobre el psicoanálisis y el arte terapia. Ámbitos bastante desconocidos para todos nosotros.

La conferencia la empezó Helena Trujillo hablando del subconsciente y todo su amplia habilidad poco conocida. El psicoanálisis es una técnica que no tiene más de un siglo es muy novedosa y afecta de forma sorprendentemente distinta a cada persona.

Lo enfocó a los artistas de forma que son una figura privilegiada de la sociedad a pesar de que todas las personas al nacer somos artistas pero esta sociedad no ayuda a fomentarlo al revés abandona ese don mayoritariamente y por eso solos privilegiados.
Nuestro trabajo no tiene el fin de plasmar nuestra vida porque eso no ayuda a los de fuera a sentir lo mismo que tu, lo correcto es transmitir los sentimientos humanos ante esas situaciones porque eso nos une a todos.
También nos enseñó a ver en las relaciones cambios ya que una relación con una persona nos debe aportar algo y transformar con el diálogo conociendo a la otra persona llegando a su fondo.
Los artistas debemos conocer todos los campos para poder dar nuestro punto de vista sobre cualquier tema o sentimiento tanto si nos gusta o no. Y esta técnica del psicoanálisis nos ayuda especialmente a los artistas a conocer nuestro subconsciente ya que es muy importante para nosotros para dejarnos llevar por la obra que vayamos a realizar. Es un privilegio contar con esta técnica tiene muchas ventajas a día de hoy.
Nos citó varias veces al poeta y artista Miguel Menassa.



Posteriormente realizamos un taller de creatividad con Lucía Hervas. Empezó preguntándonos quien se considera creativo, y muy a pesar suyo ninguno de nosotros levantó la mano... Ella acentuó que tenemos barreras al expresarnos, como la vergüenza (a responder) y nos invitó a vivir una experiencia nueva con ella.
Nos hizo cambiar de sitio para ver un punto de vista nuevo de la clase y dar otra perspectiva, luego nos pidió dibujar durante un minuto, pasado este minuto teníamos que cambiar el dibujo con uno de las cinco personas cerca nuestra. Al cambiarlo tenias que continuar con el que te había tocado igual durante un minuto, y así con los 5, al terminar te daban tu dibujo y podías observar el cambio de sentido que había dado y como cada persona lo había interpretado de forma muy distinta. 

Fue muy enriquecedor este taller algo breve pero nos ayudó bastante.
Fue una conferencia y una clase muy entretenida y distinta y nos enseñó varios enfoques nuevos del arte.